Постепенно герои портретов все больше поворачиваются лицом к зрителям, а сами работы наполняются символизмом (что помогает понять личность изображаемого). Например, «Портрет Галеаццо Мария Сфорца» итальянского художника Пьеро дель Поллайоло. Он был миланским герцогом из династии Сфорца, который запомнился тем, что любил покрасоваться и уделял много внимания внешности: укладывал волосы, предпочитал роскошные наряды, не забывал про парфюм. Это хорошо видно при взгляде на портрет, что позволяет сделать вывод: на данном этапе изображение человека вышло за рамки религиозного контекста и не остановилось на том, чтобы просто зафиксировать реальность. Оно обрело смысл.
С расцветом эпохи Возрождения к смыслу добавилась красота. Она пришла в изображение человека и искусство в целом вместе с работами Сандро Боттичелли. Обратим внимание на его «Портрет молодого человека с медалью» (1575) – всего четыре года разницы с работой Пьеро, а какой прогресс. Перед зрителем предстает изображение красивого, но не идеализированного юноши, поскольку его пропорции и черты лица не вписываются в «канон». Он красив не глазами или губами, не нарядом или медалью, которую демонстрирует. Его красота идет изнутри. Можно сказать, что она скрывается в поступках или добрых делах, которые недоступны зрителю, но он о них догадывается. Еще одно нововведение в изображении человека, сделанное Боттичелли, скрывается в его работе «Рождение Венеры». На ней представлена не просто прекрасная богиня Венера (ее изображали еще в Античности), а богиня, прототипом которой стала реальная девушка – Симонетта Веспуччи. Нельзя утверждать, что она выглядела именно так, как на картине (фотографий в те времена не было), но о ее реальности говорит хотя бы тот факт, что пропорции девушки далеко не идеальны, а врачи даже усмотрели в них следствие туберкулеза, от которого и умерла Симонетта. Важно и то, что эта работа — одно из первых произведений искусства со времен Античности, где обнаженная реальная девушка написана вне религиозного контекста (об этом чуть позже).
Пьеро делла Франческа. Портрет Федериго да Монтефельтро и Баттисты Сфорца. 1472 год
Пьеро дель Поллайоло. Портрет Галеаццо Мария Сфорца. 1471 год
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1485–1486 годы
Апогеем развития изображения человека стал портрет Леонардо да Винчи «Мона Лиза» («Джоконда»). Феномен популярности этой картины до сих пор остается загадкой, но с точки зрения сочетания всех деталей, о которых говорилось ранее, ее можно считать образцом, вобравшим в себя их все.
Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503 год
Понятие «портрет» не впервые встречается на страницах этой книги, но мы так и не дали ему определение. Портрет – жанр изобразительного искусства, в котором художник изображает человека или группу людей. Независимо от стиля, в котором написан портрет (будь то «Джоконда» Леонардо да Винчи или девушка из геометрических фигур Пабло Пикассо), он всегда стремится передать не только максимальное сходство с моделью, но и какую-то ее личную особенность. Если говорить об особенностях жанра, то портрет регулярно претерпевал изменения в зависимости от мастерства художника и даже от моды. Поэтому у данного жанра нет строгих критериев и существует множество типов.
Портрет бывает головной, погрудный, поясной, победренный, оплечный, поколенный, ростовой. Также портрет можно разделить по повороту головы: анфас, вполоборота, в три четверти, в профиль. Можно обозначить виды – парадный и камерный, а также типы – религиозный, исторический, аллегорический, мифологический, костюмированный, посмертный, семейный. Слово «портрет» в обиход ввел придворный историк короля Людовика XIV Андре Фелибьен, который хотел с его помощью отделить изображение человека от изображения животного.
От теории снова вернемся к практике и отметим, что в дальнейшем художники старались найти новые способы передачи реалистичности в изображении человека, а само изображение регулярно менялось и зависело как от мастерства художника, так и от моды. Пресытившись гармонией Возрождения, мастера захотели сделать работы более выразительными и эффектными – так в искусстве начался период маньеризма, а в изображении человека появились изменения, например, в моду вошли немного удлиненные тела. Отличным примером может стать работа Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей», где отчетливо видны вытянутые в длину пропорции тела как самой Мадонны, так и младенца на ее коленях. В работе Эль Греко «Святые Иоанн Богослов и Франциск Ассизский» на первый взгляд вообще нет ничего гармоничного, однако та непропорциональность, о которой говорилось ранее, придает картине бо́льшую выразительность и монументальность. Согласно предположениям исследователей, подобный сюжет – иллюстрация противопоставления церкви (ее символизирует кубок) и дьявола (представлен как дракон, выглядывающий из кубка).
Франческо Пармиджанино. Мадонна с длинной шеей. 1530-е годы
Эль Греко. Святые Иоанн Богослов и Франциск Ассизский. 1541–1614 годы
С приходом рококо в основу изображения человека легла идея вечной молодости, красоты и счастья, ставшая чуть ли не единственным каноном, которого придерживались художники. Рококо – это время беззаботного досуга и бесконечных развлечений. Если зрителю придется застукать героев картин этого периода за флиртом или поцелуями, то лучше, чтобы они выглядели молодо и прекрасно. Еще одна особенность рококо – подход художников к изображению мужчин и женщин. Точнее, тот факт, что принципиальной разницы между изображением людей разного пола не существовало. Образ человека-рококо стал универсальным: и дамы, и кавалеры были нарумянены, напудрены, с париками на голове, одеты в наряды с миллионом оборочек, ведь главным для них было выглядеть как можно лучше и моложе. Детей, кстати, тоже красили и одевали как состоявшихся женщин и мужчин, поскольку считали, что дети – это маленькие взрослые. Но у изображения человека в этот период был существенный недостаток – персонажи выглядели приторными и неестественными, поэтому спустя какое-то время жизнь взяла свое. Так в искусстве и, главное, в изображении людей на картинах появился реализм.
Франсуа Буше. Похищение Европы. 1732–1734 годы
Гюстав Курбе. Купальщицы. 1853 год
Наконец художники могли ничего не придумывать и никого не приукрашивать, а писать так, как есть. Но не зря же говорят, что правда глаза колет. Это выражение как нельзя лучше описывает то, что натворил реализм на Парижском салоне 1853 года, где Гюстав Курбе выставил работу «Купальщицы». Современный зритель вряд ли бы увидел в ней что-то ужасное, но, когда мимо полотна прошел Наполеон III, он был шокирован радикальной достоверностью: крестьянки с грязными стопами расположились прямо в залах Парижского салона. Это считалось недопустимым.
А что насчет русского искусства? Почему про него